FILIPPO BRUNELLESCHI
(Florencia, 1377-id.,
1445) Arquitecto y escultor italiano. Fue el arquitecto italiano más famoso del
siglo XV y, con Alberti, Donatello y Masaccio, uno de los creadores del estilo
renacentista. Se formó como escultor y orfebre e inició su carrera en el ámbito
de la escultura., Participo en el concurso para la realización de las puertas
del baptisterio de Florencia en 1401, certamen en el que quedó segundo, después
de Ghiberti. Decidió dedicarse casi
exclusivamente a la arquitectura.
Profundos conocimientos
matemáticos, llevarle al descubrimiento
de la perspectiva, la clave del arte del Renacimiento. A Brunelleschi se debe,
de hecho, la formulación de las leyes de la perspectiva central, tal como
afirma Alberti en su famoso tratado Della pintura.
Obra
de preferencia:
Catedral de Florencia su
fama estuvo asociada, sobre todo, a la cúpula de la catedral de su ciudad
natal, Florencia, ya que sus conocimientos de ingeniería le permitieron
solventar los problemas, en apariencia insolubles, de la construcción de dicha
cúpula, por lo que sus conciudadanos lo reverenciaron. De hecho, en la
actualidad la cúpula continúa siendo su obra más admirada. Esta enorme cúpula no sólo destaca sobre el
conjunto de la iglesia sino que es una referencia visual en toda la ciudad de
Florencia. La catedral de Florencia es gótica y fue realizada por Arnolfo di
Cambio, pero estaba sin concluir pues se encontraba sin abovedar el crucero. Por
la altura del edificio, la cúpula que cubriera dicho crucero no podía ser
totalmente semiesférica por posibles problemas en el sistema de empujes y
contrarrestos de fuerzas. La solución que llevó a cabo Brunelleschi fue una
superposición de dos bóvedas esquifadas, octogonales, una dentro de otra, que
estaban hechas de ladrillo, divididas en tramos a modo de gajos. Esta
innovación permitía un reparto de esfuerzos, además de conseguir la sensación
de ligereza. La distancia entre ambas cúpulas se mantiene siempre constante.
Por su casquete alargado recuerda al gótico. Está construida sobre un tambor
poligonal de fábrica, que más adelante se recubriría con mármoles, en el cual
se abrieron óculos circulares, que proporcionan iluminación cenital al interior
del crucero. Es la primera vez que la estructura bien definida de una cúpula
ofrece el mismo aspecto en el interior que en el exterior.
Referencia:
RAFAEL ALBERTI
Nació el 16 de diciembre
de 1902 en Puerto de Santa María (Cádiz), hijo de Agustín Alberti y de María
Merello, fue el quinto de seis hermanos. Nieto de bodegueros de origen italiano
proveedores de cortes europeas.
Sus inicios fueron en el
mundo de la pintura. En 1917 se trasladaba con su familia a Madrid, donde se
dedica a copiar pinturas en el Museo del Prado, vocación que prefirió al
bachillerato, que jamás terminaría. Después de un período de aprendizaje con la
pintura, concurre al Salón Nacional de Otoño y celebra su primera exposición de
cuadros y dibujos en el ateneo. Su primer poema lo compone con apenas veinte
años. Una incipiente tuberculosis le obliga a pasar algunos meses en un
sanatorio de la Sierra de Guadarrama donde tiene la oportunidad de leer y
afianzar su vocación literaria.
En el año 1924, recibió
el Premio Nacional de Literatura por el primer libro que publicó, Marinero en
tierra. En 1926, se publica La amante, relato poético de un viaje, al año siguiente,
un libro de poemas, El alba del alhelí. En 1929, publicó Cal y canto, donde
aparecen influencias del ultraísmo. También de ese mismo año es Sobre los
ángeles, alegoría surrealista. Se edita Sermones y moradas (1930) y Con los
zapatos puestos tengo que morir.
Publicó hasta 1937 un
conjunto de libros que denominó El poeta en la calle, aparecidos conjuntamente
en 1938. De la misma época son sus obras de teatro entre las que destaca Fermín
Galán (1931). Más adelante escribió otras obras teatrales como El adefesio, de
1944 y de 1956, Noche de guerra en el Museo del Prado. De su poesía no política
destacan Entre el clavel y la espada, de 1941, y A la pintura, de 1948. El
primer libro que publicó a su regreso a Europa fue Roma, peligro de caminantes
(1968).
Poema elegido:
A Federico García Lorca
Sal tú, bebiendo campos y ciudades,
En largo ciervo de agua convertido,
Hacia el mar de las albas claridades,
Del martín-pescador mecido nido;
Que yo saldré a esperarte, amortecido,
Hecho junco, a las altas soledades,
Herido por el aire y requerido
Por tu voz, sola entre las tempestades.
Deja que escriba, débil junco frío,
Mi nombre en esas aguas corredoras,
Que el viento llama, solitario, río.
Disuelto ya en tu nieve el nombre mío,
Vuélvete a tus montañas trepadoras,
Ciervo de espuma, rey del monterío.
Referencia:
http://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/2017/Rafael%20Alberti
DONATO BRAMANTE
Arquitecto italiano
Nació en el año 1444 en Monte Andruvaldo, cerca de
Urbino.
Su padre le inició en el arte de la pintura y del
dibujo, mostrando muy pronto una gran predilección por los estudios de
perspectivas y del dibujo arquitectónico, conservándose de su obra más temprana
los frescos de la fachada del Palacio del Podestà en Bérgamo, realizados en el
año 1477.
En 1482 se trasladó a Milán y comenzó su carrera como
arquitecto. En su proyecto para la iglesia de Santa María presso San Satiro
(1488, Milán) utilizó por primera vez en la arquitectura el trampantojo en las
pinturas del presbiterio fingido, que falsea las proporciones de la iglesia. El
resto de sus obras en Milán, como el ábside de Santa María delle Grazie
(1492-1495), huyó a Roma, donde trabajó casi en exclusiva a las órdenes de su
nuevo mecenas, el papa Julio II. Una de sus primeras obras romanas es el
Tempietto de San Pietro in Montorio (1502), un pequeño templo circular cubierto
por una cúpula semiesférica. Los dos grandes proyectos que ocuparon el resto de
su actividad creativa, y que no se llevaron a cabo, fueron la reconstrucción de
la basílica de San Pedro y el plan para los palacios del Vaticano. Donato
Bramante falleció en Roma el 11 de marzo de 1514.
Obra de preferencia:
Templete de San Pietro in Montorio La construcción
corrió a cargo de los Reyes Católicos en honor al nacimiento de su único hijo
varón, que coincidió con la festividad de San Pedro Apóstol, en el mismo lugar
donde según la tradición sufrió martirio. La Iglesia de San Pietro in Montorio
y el Templete de Bramante en el Janículo son el exvoto de los Reyes Católicos
por el nacimiento del Príncipe Juan de Aragón y Castilla, según figura en las
inscripciones del Templo.
Esta obra se considera como el manifiesto de la
arquitectura del clasicismo renacentista, dada su pureza de líneas y austeridad
decorativa.
El templete fue realizado en granito, mármol,
travertino, con acabados de estuco y revoco.
La edificación es de planta circular, e imita a los
martyria orientales, pues de hecho es un martyrium. Dispone de una columnata
que envuelve a la cella, cubierta por una cúpula semiesférica. Esta columnata
conforma un peristilo. También hay una clara referencia a la cultura griega en
la forma circular, como un tholos griego.
ANDREA PALLADIO
Nació el 30 de noviembre de 1508 en Padua.
Se inició trabajando como cantero. El poeta
Giangiorgio Trissino supervisó sus estudios de arquitectura y le llevó a Roma,
donde visitó las ruinas clásicas y estudió los tratados de Vitrubio, el único
legado teórico de la arquitectura romana.
Publicó el libro Le Antichità di Roma (1554),
considerado durante más de dos siglos como la mejor guía sobre las ruinas de la
ciudad eterna. Una de las primeras obras de envergadura de Andrea Palladio fue
la transformación del recinto exterior del Palazzo dalla Ragione o Basílica, el
ayuntamiento de Vicenza. En la ciudad y sus alrededores Palladio construyó
numerosos edificios residenciales y públicos.
Autor de 26 edificios, en los que se combinan las
tradiciones arquitectónicas antiguas y las del Renacimiento veneciano. Fachadas
monumentales que llevan la cadencia entre los volúmenes, una composición
simétrica, incluso teatral, y una elegancia en la que las columnas se prolongan
en estatuas. Entre ellos los palacios Chiericatti, Thiene y Valmarana, y las
villas Badoer, Barbaro (en Maser), Emo, La Rotonda y Villa Foscari, en
Malcontenta di Mira.
Entre 1560 y 1580 Andrea Palladio también edificó
varias iglesias en Venecia, entre las que sobresalen San Francesco della Vigna
y San Giorgio Maggiore e Il Redentore.
Su última gran obra fue el teatro olímpico de Vicenza,
que finalizó Vincenzo Scamozzi después de su muerte en Vicenza el día 19 de
agosto de 1580.
Obra de preferencia:
El palacio Chiericati
El palacio fue encargado a Andrea Palladio por el
conde Girolamo Chiericati, de la familia Chiericati, una de las familias más
influyentes de Vicenza durante el siglo XVI. El arquitecto comenzó las obras
del edificio en 1550. Él trabajó continuó gracias al patrocinio de Valerio
Chiericati, hijo y heredero de Girolamo Chiericati. El palacio se terminó
finalmente alrededor del año 1680, posiblemente por Carlo Borella.
La fachada principal del palacio está compuesta por
tres salientes. La fachada tiene dos filas de columnas superpuestas. Las
columnas de abajo son dóricas y las de arriba jónicas. En los laterales de cada
nivel se presentan arcos que producen galerías entre las columnas y la pared.
El techo es cace tonado y presenta estatuas en la parte superior.
Referencia:
MASACCIO
Tommaso di ser Giovanni di Mone Cassai conocido como
Masaccio (San Giovanni Valdarno, Arezzo 21 diciembre 1401-Roma 1427/8?). Es la
gran figura de la pintura renacentista italiana del Quattrocento, al mismo
nivel que Brunelleschi en la arquitectura o Donatello en la escultura. Se
considera por ello que es el auténtico creador de la pintura renacentista.
Su vida estuvo envuelta en el misterio al igual que su
temprana y misteriosa muerte que muchos achacan a un envenenamiento.
Hijo de ebanista, de ahí su apellido (cassai),
aprendió en el taller de Bicci di Lorenzo o quizás con Massolino de Manicare,
pintor que estuvo de moda en el siglo XIV, con el que colabora en la Capilla
Brancacci y al que pronto aventajará.
Vasari escribió de él: "Masaccio destaca por
haber ideado un nuevo estilo de pintura... su trabajo está vivo, es realista y
natural".
Se inspira en los ideales de Giotto, también en su
interés por los antiguos frescos romanos así como en los recientes experimentos
de sus amigos: el arquitecto-escultor Brunelleschi y el escultor Donatello, se
basó sobre todo en la observación de la naturaleza. Su estudio de la
perspectiva se alió a un análisis igualmente profundo de la luz.
Se trata así del primer pintor que estudia con
profundidad el cuerpo humano y la naturaleza desde el clasicismo greco-romano.
Busca dar vida a los seres vivos que representa. Aplica las leyes de las
matemáticas para componer sus obras, gracias a lo cual consigue un notable
avance en el estudio de la perspectiva y en las representaciones
arquitectónicas para las que se basa en edificios reales. En este aspecto se
dice que aplica las teorías matemáticas que Brunelleschi.
Sus personajes son reales e individualizados, y para
ello retrata a la gente de su época.
Pinta sobre todo al fresco, y como consecuencia sus
acabados no son tan brillantes como en la pintura sobre tabla.
Sus primeras obras las realiza junto a Massolino.
Pintura elegida:
Tríptico de San Giovenale” (Temple y pan de oro sobre
madera, 1422, San Pietro, Cascia di Reggello, Florencia).
Se trata de la primera obra conocida original de
Masaccio. En la tabla central aparece la imagen de la Virgen con el Niño
entronizada con dos ángeles a sus pies, en las alas del tríptico a la izquierda
san Bartolomé y san Biaggio y a la derecha san Giovenale y san Antonio Abad. En
la base del tríptico aparece la inscripción: “ANNO DOMINI MCCCCXXII A DI
VENTITRE D'AP(RILE)”. Aún mantiene la herencia gótica de utilizar el pan de oro
como fondo, pero el estudio del volumen y la anatomía de las figuras son
plenamente renacentista.
PAOLO UCCELLO
(Florencia 1397-Florencia 1475) es un pintor florentino cuya obra
intentó conciliar dos estilos artísticos distintos: la esencia decorativa de
estilo gótico tardío y el nuevo estilo heroico de principios del Renacimiento.
Su apodo Uccello procede de su querencia por pintar pájaros. Era hijo de Dono
Di Paolo, barbero y cirujano de Pratovecchio, cerca de Arezzo, que adquirió la
ciudadanía florentina desde el 1373; el nombre de su madre era Antonia di
Giovanni del Beccuto.
Con 10 años (1407) ya era aprendiz en el taller del
escultor Lorenzo Ghiberti, que estaba entonces trabajando en las puertas de
bronce para el Baptisterio de la catedral de Florencia. En 1414 Ucello se unió
a la cofradía de pintores (Compagnia di San Luca), y el año siguiente se
convirtió en un miembro más del Arte dei Medici e degli Speziali, el gremio
oficial de pintores florentinos. Se debió establecer entonces como pintor
independiente, aunque no hay ninguna indicación clara de su primera formación
como pintor, pero se sabe que mantuvo una gran amistad con Donatello.
De 1425 a 1431, Uccello trabajó en Venecia como
maestro de mosaicos. Toda su obra en Venecia se ha perdido y los planes para
reconstruirla no han tenido éxito. Uccello pudo volver a Florencia gracias al
encargo de una serie de frescos para el claustro de San Miniato al Monte que
representan escenas de leyendas monásticas. En ellos hay una fascinación por
los esquemas del estudio de la perspectiva que habían aparecido en Florencia
durante estancia veneciana de Uccello y con un tratamiento simplificado y más
monumental de las formas derivadas de la reciente escultura de Donatello y de
Nanni di Banco.
Pintura
elegida:
"Retrato de un hombre" (1430’, temple sobre
tabla, National Gallery of Art, Washington). A principios del siglo XV el
perfil era el tipo más favorecedor de retrato, en parte debido a que las
características más destacadas se pueden delinear con más precisión en una vista
lateral. Así, en este ejemplo, aunque es difícil juzgar la expresión o el
estado de ánimo del aristócrata desconocido, tenemos un registro exacto de su
apariencia física.
Esta pintura se puede vincular con el retrato del
mismo tipo que hizo Masaccio y que se encuentra en Boston como con otro retrato
atribuido a Paolo Uccello que se encuentra en Chambéry; por lo que algunos
atribuyen a Masaccio estos retratos.
Referencia:
FRA ANGÉLICO (Vicchio nell Mugello cerca de 1400- Roma
1455).
Beato Angélico o Fray Juan de Fiésole. Beatificado por
Juan Pablo II en 1984. Giorgio Vasari dice de él que "nunca levantó el
pincel sin decir una oración ni pintó el crucifijo sin que las lágrimas
resbalaran por sus mejillas", parece que fue el propio Vasari quien le dio
el nombre de “Angélico” aunque al parecer ya se le denominaba así en 1469 pocos
años después de su muerte. El hecho de ser fraile y artista le dotan de un
carácter personal y original que le diferencian del resto de pintores
renacentistas. Es un hombre profundamente religioso y de elevada espiritualidad
y esto quedará reflejado en su obra.
Su carrera se desarrolla en Florencia donde trabaja
para franciscanos y dominicos, así como para los Medici, pero también acude a
Roma, donde trabaja para el Vaticano.
En 1418 entra en el Convento de los Dominicos de
Fiésole tomando el nombre de Giovanni da Fiésole. No se conoce quién pudiera
ser su maestro, pero si que inició su carrera como iluminador de libros
religiosos. De ahí paso a realizar retablos y frescos.
En 1436 se traslada junto con otros frailes al
Convento de San Marcos de Florencia, recién restaurado por Michelozzo, es allí
donde realiza sus frescos más importantes, decorando las paredes de las celdas
de todos los frailes.
Los últimos años de su vida los pasa en Roma, donde
fallece. Se encuentra enterrado en la Iglesia de Santa María Sopra Minerva
Sus inicios se enraízan con el Arte Gótico, por ello
utiliza el pan de oro y realiza una pintura lineal preocupada por el dibujo y
la iconografía propia del Gótico. Muestra gusto por las formas curvas, en lo
que descubrimos influencia de la Escuela Sienesa del Treccento, y concretamente
de Simone Martini.
Pero inicia el Renacimiento en la Pintura al dar gran
peso a la ambientación y a un modelo de paisaje naturalista. La anatomía
estudiada a través de los ropajes y el volumen cobra importancia, así como el
estudio de la perspectiva lineal.
Las composiciones son cerradas, en ocasiones parecen
inscritas en formas circulares u ovoides. Las ambientaciones muestran una
arquitectura plenamente renacentista.
Tiene un carácter optimista y busca la belleza y la
armonía sobre todo, apenas realiza obras de temática trágica y cuando lo hace
trata de llenarlos de un halo de paz.
Sus figuras son estilizadas, buscando la belleza y la
suavidad de formas. Son en conjunto elegantes y ligeras.
Utiliza un color limpio y brillante, con tonos pastel
como el rosa y el azul, destacando el tono lapislázuli, pero sigue usando
profusamente el pan de oro. Con ellos acentúa la espiritualidad y la
expresividad en los rostros.
Pinta al fresco y también sobre tabla, usando pastel o
témpera.
Influye sobre el resto de pintores renacentistas, pero
su principal influencia es sobre Fra Filippo Lippi, Lorenzo Mónaco y Benozzo
Gozzoli.
Pintura elegida:
“Virgen con el Niño” (Témpera y pan de oro sobre tabla?
Kunstmuseum, Berna, Suiza)
Referencias:
SANDRO BOTTICELLI
Nació el 1 de marzo de 1445 en Florencia, en el seno
de una familia humilde de artesanos. Botticelli fue el apodo de su hermano
mayor, Giovanni, cuya obesidad provocó que se llamara "tonelete" y
por extensión a todos los miembros de su familia.
Dedicó casi toda su vida a los retratos, entre los que
destacan: Retrato de Giuliano de Medici (1475-1476, Galería Nacional de Arte,
Washington, D.C.) y La adoración de los Magos (1476- 1477, Galería de los
Uffizi, Florencia) que contiene personajes con rasgos muy parecidos a los de la
familia de los Medici. Estuvo influenciado por el neoplatonismo cristiano, que
pretendía conciliar las ideas cristianas con las clásicas, esto se observa en
La primavera (c. 1478) y en El nacimiento de Venus (posteriores a 1482), creadas
para una de las villas de la familia Medici. Dentro de este ámbito también
destaca la serie de cuatro cuadros Nastapio degli Honesti (Museo del Prado,
Madrid), donde recrea una de las historias del Decamerón, de Boccaccio.
Además pintó temas religiosos, principalmente tablas
de Vírgenes, destacando la Virgen escribiendo el Magnificat (década de 1480),
La Virgen de la granada (década de 1480) y La coronación de la Virgen (1490),
todas ellas en los Uffizi, y Virgen con el niño y dos santos (1485, Staatliche
Museen, Berlín). Entre otras obras de tema religioso destacan San Sebastián
(1473-1474, Staatliche Museen) y un fresco sobre San Agustín (1480, Ognissanti,
Florencia).
Son de destacar obras posteriores, como la Pietá
(principios de la década de 1490, Museo Poldi Pezzoli, Milán) y sobre todo la
Natividad mística (década de 1490, National Gallery, Londres) y la Crucifixión
mística (c. 1496, Fogg Art Museum, Cambridge, Massachusetts).
Fue acusado anónimamente, en 1502, ante la Uffiziali
di Notte, institución donde los ciudadanos denunciaban crímenes reales o
imaginarios, por un acto de sodomía con uno de sus ayudantes. Sandro Botticelli
falleció en Florencia el 17 de mayo de 1510.
Obra de preferencia:
Primavera:
La primavera es una de las obras maestras del pintor
renacentista Italiano Sandro Botticelli. Está realizado al temple de huevo
sobre tabla. Mide 203 cm de alto y 314 cm de ancho y fue realizada entre 1480 y
1481.
Esta tabla se pone en contraste con todo el desarrollo
del pensamiento artístico del siglo XV a través de la perspectiva. Identifica
el arte con la interpretación racional de la realidad, que culmina con la
grandiosa construcción teórica de Piero (della Francesca).
Botticelli opta aquí por un formato monumental, con
figuras de tamaño natural, y lo compagina con una gran atención al detalle.
Esto puede verse en las diversas piezas de orfebrería, representadas
minuciosamente, como el casco y la empuñadura de la espada de Mercurio o las
cadenas y los broches de las Gracias.
Estudios interesantes son los que se han realizado
sobre las relaciones dimensionales de las partes de la escena en referencia a
reglas musicales.
La composición muestra una disposición simétrica, con
una figura central Venus la diosa del amor, la belleza y la fertilidad, que
parte la escena en dos mitades y marca el eje.
Mientras algunas de las figuras estaban inspiradas por
esculturas antiguas, estas no eran copias directas sino adaptadas al lenguaje
formal propio de Botticelli: figuras de elevada estatura, delgadas, ligeramente
alargadas, muy idealizadas, muy dibujadas con unas limpias líneas que marcan
los perfiles, cuyos cuerpos a veces parecen artificiosamente estirados y
presagian el estilo elegante y cortés del manierismo del siglo XVI. Como fuente
iconográfica para la representación de las tres Gracias Botticelli parece
recurrir a la Puerta del Paraíso realizada por Ghiberti en el Baptisterio de
Florencia, en particular el grupo de siervas en el relieve de Esaú y Jacob.
Las figuras destacan contra el fondo por la claridad
de su piel y sus ropajes, de colores claros e incluso transparentes. Esta
palidez en los colores muestra la anatomía del desnudo, que da más volumen a la
representación, esta técnica recuerda a la de los paños mojados de Fidias. La
luz unifica la escena, incluso parece emanar de los propios cuerpos.
MANTEGNA, ANDREA
Nacionalidad: Italia
Isola di Cartura 1431 - Mantua 1506
Pintor
Renacimiento Italiano
Quattrocento , Escuela Italiana
Andrea Mantegna es uno de los grandes creadores del
Quattrocento italiano. Natural de Isola di Cartura, entre Padua y Vicenza, vio
la luz hacia 1431, formándose en Padua con el pintor Squarcione - apasionado
estudioso de la época romana y coleccionista de objetos arqueológicos, afición
que heredó el propio Andrea - quien le consideró su hijo adoptivo. Ya en sus
años jóvenes se interesó por la perspectiva tomando como referencia las obras
de Paolo Ucello, Andrea del Castagno o Fra Filippo Lippi, maestros que habían
trabajado en Padua. En 1448 Mantegna tiene taller propio y realiza su primera
obra, desgraciadamente perdida. Se inició como fresquista al año siguiente, en
la decoración de la capilla Ovetari junto a Nicolò Pizollo, destruida por los
efectos de una bomba en 1944. Ya en estos primeros momentos se aprecia la
influencia en sus figuras del escultor Donatello, dando la impresión de ser
estatuas de bronce o piedra por lo que a esta primera época se la conoce como
el "estilo pétreo". También se interesa por la perspectiva, como se
aprecia en la Asunción de la Virgen, siguiendo la Trinidad de Masaccio. Durante
la ejecución de este encargo en la iglesia de los Ermitaños, se trasladó a
Venecia, donde se relaciona con la familia Bellini, contrae matrimonio en 1452
con Nicolasia, hija de Jacopo y hermana de Giovanni, y establece una estrecha
relación con sus cuñados, como se observa en la Oración en el huerto o la
Presentación en el templo. A su regreso a Padua realiza una de sus obras más
importantes: la Pala de San Zenón, donde introduce el lenguaje de la
"Sacra Conversazione", continuando con su estilo monumental y pleno
de fuerza. El afán por lo escultórico se pone de manifiesto en el San Sebastián
de Viena, pintado en estos años, donde se interesa por los fondos
arquitectónicos inspirados en el mundo clásico. Con 29 años Andrea se instala
en Mantua y permanece como pintor de corte de la familia Gonzaga hasta su
muerte, realizando allí sus obras más importantes: la decoración de la Cámara
de los Esposos, donde los Gonzaga son retratados en diversas actitudes; el
interés por la perspectiva y las referencias antiguas le llevan a abrir la sala
gracias a las referencias a la campiña plagada de castillos y ciudades,
destacando el Óculo fingido que sirve de coronamiento a la estancia. También de
la estancia en Urbino sería la Muerte de la Virgen, donde la perspectiva y las
figuras dotan al conjunto de un sereno equilibrio. Su fama le hizo ser llamado
a Roma por el papa Inocencio VIII para decorar una de las capillas del palacio
del Belvedere, destruida en 1780, regresando de nuevo a Mantua en 1490, cuando
inicia los lienzos del Triunfo del César, evocación majestuosa del mundo romano
que recuerda los frisos y relieves históricos de la Antigüedad.
Obra de
preferencia:
Lamentación sobre Cristo muerto es una de las más
célebres obras de Andrea Mantegna. Es una témpera sobre tela de 68 centímetros
de alto por 81 de ancho, conservado en la Pinacoteca de Brera de Milán, cuya
fecha de realización no se ha establecido con certeza, proponiéndose fechas que
oscilan entre 1457 y 1501, aunque lo más probable es que sea de la etapa de
madurez del artista, en torno a los años 1480 y 1490.1 2
La escena muestra a Cristo muerto, tendido sobre una
losa de mármol de forma casi perpendicular al espectador, en uno de los
escorzos más violentos de la historia de la pintura. En un fuerte contraste de
luces y sombras, la escena transmite un profundo sufrimiento y desolación. La
tragedia se potencia dramatizando la figura de Cristo por su violenta
perspectiva y la distorsión de sus detalles anatómicos, en especial el tórax.
Los estigmas de las manos y los pies están representados sin idealismo ni
retórica. La sábana que cubre parcialmente el cadáver, pintada en los mismos
tonos que el cuerpo, contribuye al efecto sobrecogedor del conjunto que
concluye en los rasgos de la cabeza, inclinada e inmóvil.
LEONARDO DA VINCI
(Vinci, Toscana, 1452 - Amboise, Turena, 1519)
Artista, pensador e investigador italiano que, por su insaciable curiosidad y
su genio polifacético, representa el modelo más acabado del sabio renacentista.
Leonardo da Vinci era hijo ilegítimo de un abogado
florentino, quien no le permitió conocer a su madre, una modesta campesina. Se
formó como artista en Florencia, en el taller de Andrea del Verrocchio; pero
gran parte de su carrera se desarrolló en otras ciudades italianas como Milán
(en donde permaneció entre 1489 y 1499 bajo el mecenazgo del duque Ludovico
Sforza, llamado el Moro) o Roma (en donde trabajó para Julio de Médicis).
Aunque practicó las tres artes plásticas, no se ha conservado ninguna escultura
suya y parece que ninguno de los edificios que diseñó llegó a construirse, por
lo que de su obra como escultor y arquitecto sólo quedan indicios en sus notas
y bocetos personales.
Es, por tanto, la obra pictórica de Leonardo da Vinci
la que le ha hecho destacar como un personaje cumbre en la historia del arte.
De la veintena de cuadros suyos conservados, destacan La Anunciación, La Virgen
de las Rocas, La Santa Cena, La Virgen y Santa Ana, La Adoración de los Magos y
el Retrato de Ginebra Benzi. El más célebre es sin duda La Mona Lisa o La Gioconda,
retrato que tuvo al parecer como modelo a Mona (abreviatura de Madonna) Lisa
Gherardini, esposa de Francisco Giocondo.
Referencia:
Obra de preferencia:
La Gioconda (La Joconde en francés), también conocida
como La Mona Lisa, es una obra pictórica del pintor renacentista italiano
Leonardo da Vinci. Fue adquirida por el rey Francisco I de Francia a principios
del siglo XVI y desde entonces es propiedad del Estado Francés. Se exhibe en el
Museo del Louvre de París.
Su nombre, La Gioconda (la alegre, en castellano),
deriva de la tesis más aceptada acerca de la identidad de la modelo: la esposa
de Francesco Bartolomeo de Giocondo, que realmente se llamaba Lisa Gherardini,
de donde viene su otro nombre: Mona (señora, del italiano antiguo) Lisa.
Es un óleo sobre tabla de álamo de 77 x 53 cm, pintado
entre 1503 y 1519, y retocado varias veces por el autor. Se considera el
ejemplo más logrado de sfumato, técnica muy característica de Leonardo, si bien
actualmente su colorido original es menos perceptible por el oscurecimiento de
los barnices. El cuadro está protegido por múltiples sistemas de seguridad y
ambientado a temperatura estable para su preservación óptima.2 Es revisado
constantemente para verificar y prevenir su deterioro.
Por medio de estudios históricos se ha determinado que
la modelo podría ser una vecina de Leonardo, que podrían conocerse sus
descendientes y que la modelo podría haber estado embarazada. Pese a todas las
suposiciones, las respuestas en firme a los varios interrogantes en torno a la
obra de arte resultan francamente insuficientes, lo cual genera más curiosidad
entre los admiradores del cuadro.
La fama de esta pintura no se basa únicamente en la
técnica empleada o en su belleza, sino también en los misterios que la rodean.
Además, el robo que sufrió en 1911, las reproducciones realizadas, las
múltiples obras de arte que se han inspirado en el cuadro y las parodias
existentes contribuyen a convertir a La Gioconda en el cuadro más famoso del
mundo, visitado por millones de personas anualmente.
MIGUEL ÁNGEL BUONARROTI
Nació el 6 de marzo de 1475 en Caprese, cerca de
Arezzo.
Hijo de Ludovico Buonarroti, oficial florentino al
servicio de la familia Medici, que colocó a su hijo cuando contaba 13 años de
edad en el taller del pintor Domenico Ghirlandaio. Dos años más tarde se sintió
atraído por la escultura en el jardín de San Marcos, lugar al que acudía con
frecuencia para estudiar las estatuas antiguas de la colección de los Medici.
Conoció a los Medici más jóvenes, dos de los cuales
llegaron a ser papas (León X y Clemente VII); y también a humanistas como
Marsilio Ficino y a poetas como Angelo Poliziano. Con 16 años, ya había
realizado al menos dos esculturas en relieve, el Combate de los lapitas y los
centauros y la Virgen de la Escalera (ambas fechadas en 1489-1492, Casa
Buonarroti, Florencia). Su mecenas, Lorenzo el Magnífico, murió en 1492; dos
años después abandonó Florencia. Durante una temporada se estableció en
Bolonia, donde esculpió entre 1494 y 1495 tres estatuas de mármol para el Arca
de Santo Domingo en la iglesia del mismo nombre. Después, viajó a Roma, donde
estudió las ruinas y estatuas de la antigüedad clásica que por entonces se
estaban descubriendo.
Su obra cumbre como arquitecto fue la Basílica de San
Pedro. La dirección de las obras, iniciadas por Donato Bramante y continuadas,
entre otros, por Antonio da Sangallo y Rafael, le fueron encomendadas por el
Papa en 1546. Siguiendo el esquema de Bramante, diseñó un templo de planta de
cruz griega coronado por una espaciosa y monumental cúpula sobre pechinas de 42
metros de diámetro. Posteriormente, Carlo Maderno modificó la planta original y
la transformó en una planta de cruz latina.
Michelangelo Buonarroti falleció en Roma el 18 de
febrero de 1564.
Referencia:
El Moisés
Es una escultura de mármol blanco encargada en 1505,
realizada en 1513-1515, y retocada en 1542, obra de Miguel Ángel (1475-1564),
centrada en la figura bíblica de Moisés. Originariamente concebida para la
tumba del papa Julio II en la Basílica de San Pedro, el Moisés y la tumba se
colocaron finalmente en la iglesia menor de San Pietro in Vincoli, en la zona
del Esquilino, tras la muerte del papa. La familia della Rovere, de la que el
papa procedía, fueron los mecenas de esta iglesia, y el mismo papa había sido
cardenal titular antes de su nombramiento como representante del Vaticano.
La estatua se representa con cuernos en su cabeza2 3 4
5 . Se cree que esta característica procede de un error en la traducción por
parte de San Jerónimo del capítulo del Éxodo, 34:29-356 . En este texto, Moisés
se caracteriza por tener karan ohr panav ("un rostro del que emanaban
rayos de luz")7 8 , lo que San Jerónimo en la Vulgata tradujo por cornuta
esset facies sua ("su rostro era cornudo"). El error en la traducción
es posible debido a que la raíz trilítera hebrea krn (en hebreo las vocales no
se escriben) puede ser interpretada "keren", luminosidad, resplandor,
o "karan", cuerno. Cuando Miguel Ángel esculpió el Moisés el error de
traducción había sido advertido, y los artistas de la época había sustituido,
en la representación de Moisés, los cuernos por dos rayos de luz. No obstante
Miguel Ángel prefirió mantener la iconografía anterior.
La tumba de Julio II, una estructura colosal que debía
dar a Miguel Ángel el suficiente espacio para sus seres superhumanos y
trágicos, se convirtió en una de las grandes decepciones de la vida del artista
cuando el papa, sin ofrecer explicación alguna, interrumpió las donaciones,
posiblemente desviando dichos fondos a la reconstrucción de San Pedro por parte
de Donato Bramante. El proyecto original estaba formado por una estructura
independiente, sin apoyo, de tres niveles, con aproximadamente 40 estatuas.
Tras la muerte del papa en 15139 , la escala del proyecto se redujo
paulatinamente hasta que, en 1542, un contrato final especificó una tumba con
un muro sencillo y con menos de un tercio de las figuras incluidas en el
proyecto original.
RAFAEL SANZIO DE URBINO
Nació el 6 de abril de 1483 en Urbino. Los inicios en
su formación fueron junto a su padre, el pintor Giovanni Santi. Posteriormente
estudia con Timoteo Viti en Urbino. Rafael, apellidado el divino adolescente
pinta Apolo y Marsias (Museo del Louvre, París) y El sueño del caballero (1501,
National Gallery, Londres). En el año 1499 viaja a Perugia, donde fue ayudante
del pintor Perugino. Pinta entonces obras muy parecidas a las de su maestro:
Los desposorios de la Virgen (1504, Galería Brera, Milán, obra pintada ya en
Florencia) y la tabla del retablo de Città di Castello, la Virgen y los santos
Jerónimo, Magdalena y Juan Evangelista (1503, National Gallery, Londres).
En 1504 llega a Florencia, donde estudia a Leonardo da
Vinci, Miguel Ángel y Fray Bartolommeo, apreciando sus estudios anatómicos y
poses dramáticas. Se produce un cambio de estilo tomando la perspectiva de
forma más natural y suave. Pinta numerosas madonnas: Madonna del Granduca
(1504-1505, Palacio Pitti, Florencia). Expone la influencia de Leonardo en la
expresión de serenidad, la composición triangulada: La bella jardinera
(1507-1508, Museo del Louvre, París) y la Virgen del jilguero (1505, Galería de
los Uffizi, Florencia). Realiza El Entierro de Cristo (1507, Galería Borghese,
Roma).
Cuando fallece Julio II en 1513 le sucede León X
aumentando la influencia de Rafael. Maestro Mayor de la Basílica de San Pedro
en 1514, y un año más tarde dirige todas las excavaciones arqueológicas en
Roma. Pinta parte de la tercera estancia del Palacio del Vaticano, la del
Incendio del Borgo (1514-1517). El resto es obra de sus ayudantes. Para la
cuarta cámara, la Sala Constantina, realizó los diseños. Además realizó
pinturas de caballete, como el retrato de Julio II (1511-1512), la Madonna
Sixtina (c. 1514, Gemäldegalerie, Dresde); la Transfiguración (1517-1520,
Vaticano). Rafael falleció en Roma el 6 de abril de 1520.
Obra de preferencia:
Los desposorios de la Virgen es la denominación
convencional de un tema frecuente del arte cristiano, que representa el enlace
matrimonial entre la Virgen María y San José. La escena no aparece en los
evangelios canónicos, pero sí en varios de los evangelios apócrifos y otras
fuentes posteriores, particularmente en la Leyenda Áurea de Jacopo da Voragine.
No ha sido incluido en el calendario litúrgico como otras escenas que han dado
origen a festividades.
En la tradición de la iglesia oriental se representa
una escena con muy similar iconografía, pero el tema se denomina
"encomendación de María a José",4 donde lo que ocurre es que las
autoridades del templo confían a la doncella a José para que la custodie
(implicando la continuidad de su virginidad, protegida por la ancianidad de
José -en algunas fuentes se indica su condición de viudo-). En la tradición de
la iglesia occidental se representa una escena de boda, incluyendo un cortejo
nupcial, especialmente en las versiones más antiguas. La figura de José se
representa con su atributo identificativo: el bastón o vara florecida.
TIZIANO
Tiziano Vecellio o Vecelli, conocido tradicionalmente
en español como Tiziano o Ticiano (Pieve di Cadore, Belluno, Véneto, hacia
1477/1490-Venecia, 27 de agosto de 1576),1 fue un pintor italiano del
Renacimiento, uno de los mayores exponentes de la Escuela veneciana.
Reconocido por sus contemporáneos como «el sol entre
las estrellas», en homenaje a la línea final del Paraíso de La Divina Comedia
de Dante Alighieri,2 Tiziano es uno de los más versátiles pintores italianos,
igualmente capacitado para ejecutar retratos, paisajes (dos de los temas que le
lanzaron a la fama), escenas mitológicas o cuadros de temática religiosa. Tuvo
una larga y dilatada carrera, y su obra atravesó muchas y diferentes etapas, en
las que su estilo cambió tan drásticamente que algunos críticos tienen
problemas para creer que los cuadros de su primera etapa y los de las
posteriores hayan salido de la misma mano.
En cualquier caso, el conjunto de su obra se caracteriza
por el uso del color, vívido y luminoso, con una pincelada suelta y una
delicadeza en las modulaciones cromáticas sin precedentes en la Historia del
Arte occidental.
Obra de preferencia:
Tiziano. Fue acabada en 1518. Se trata de un óleo sobre
madera de gran tamaño, pues alcanza los 6,90 metros de alto y 3,60 m de ancho.
Se encuentra en la Basílica de Santa María Gloriosa dei Frari, de Venecia,
Italia.
Es un retablo monumental, el de mayor tamaño de la
ciudad de Venecia, y está dedicado a la Asunción de María.
La pintura muestra diferentes acontecimientos en tres
capas. En la inferior están representados los Apóstoles, con los brazos alzados
hacia el cielo, con la excepción de san Pedro, cuyos brazos están cruzados.
Miran a la Virgen María, vestida de azul y rojo, que está volando entre ellos y
Dios, en pie sobre una nube y está rodeada de querubines celebrando y bailando
por aquel momento.
Junto a Dios, que la está esperando, hay otro querubín
sosteniendo la corona de la Gloria Santa.
En este cuadro, Tiziano rompe con la dulzura y el
tonalismo de Giorgione. Se nota la influencia de Miguel Ángel en la figura de
Dios Padre, y la de Rafael Sanzio en la composición piramidal.
Los tres planos están unidos por un efecto de luz
insólito.
Los personajes están representados en movimiento, con
posiciones distintas: de frente, de espaldas o en escorzo.
TINTORETO
Jacopo Comin (Venecia, 29 de septiembre de 1518 -
Venecia, 31 de mayo de 1594), fue uno de los grandes pintores de la escuela
veneciana y probablemente el último gran pintor del Renacimiento italiano. En
su juventud también recibió el apodo de Jacopo Robusti, pues su padre defendió
las puertas de Padua frente a las tropas imperiales de una manera bastante
vigorosa. Su verdadero apellido, 'Comin', fue descubierto por Miguel Falomir,
jefe del departamento de Pintura Italiana del Museo del Prado, Madrid, y se
hizo público a raíz de la retrospectiva de Tintoretto en dicho museo en 2007.1
Por su fenomenal energía y ahínco a la hora de pintar fue
apodado Il Furioso, y su dramático uso de la perspectiva y los especiales
efectos de luz hacen de él un precursor del arte barroco. Sus trabajos más
famosos son una serie de pinturas sobre la vida de Jesús y la Virgen María en
la Scuola Grande di San Rocco de Venecia.
Referencia:
Obra de preferencia:
La última cena, es la última gran obra del pintor
italiano Tintoretto, con la que culmina su trayectoria como pintor. Está
realizada en óleo sobre lienzo. Mide 365 cm de alto y 568 cm de ancho. Fue
pintado en los años 1592-1594, encontrándose en la Basílica de San Giorgio
Maggiore de Venecia, Italia.
La última cena es un tema que el artista había
trabajado en otras ocasiones, y es clásico en la pintura religiosa católica.
Este cuadro, como la Recogida del maná (1594) y La deposición (1592-94), fueron
realizados para la iglesia y monasterio de San Giorgio Maggiore, en una pequeña
isla de Venecia. Se encuentra en un muro del presbiterio.
Comparar esta obra con La Última Cena de Leonardo
demuestra de qué forma evolucionó el arte desde el Renacimiento. En la obra de
Leonardo, los discípulos se sitúan alrededor de Jesús con una simetría casi
matemática. En las manos de Tintoretto, la misma escena aparece dramáticamente
distorsionada, utilizando una muy original perspectiva oblicua. Las figuras
humanas parecen abrumadas por la aparición de seres fantásticos. La escena
tiene lugar en una taberna sombría y popular, donde las aureolas de los santos
aportan una luz extraña que subraya detalles incongruentes. Es una obra oscura,
en la que destaca precisamente el tratamiento que hace de la luz. Los rostros
de los santos se distinguen gracias a la luz de sus propias aureolas. Hay dos
puntos de luz intensa: uno en alto, a la izquierda, y otra la intensa aureola
de Jesucristo.
El tono es resueltamente barroco.
DONATELLO
Donatello fue el hijo de Niccolò di Betto Bardi, un
cardador de lana, y nació en Florencia, probablemente en 1386. Su padre era de
vida tumultuosa que participó en la revuelta de los Ciompi, un levantamiento
popular ocurrido en 1378, organizado por los cardadores de lana. Nicolás
Maquiavelo describió esta revuelta años más tarde (1520-1525), dentro de su
Historia de Florencia. Más tarde, su padre, también participó en otras acciones
en contra de Florencia, que le condujeron a ser condenado a muerte y después
indultado, fue un personaje muy diferente a su hijo, que era noble, elegante y
delicado, por sus amigos y demás artistas era conocido bajo el nombre de
Donatello.4
Según unos informes de Vasari, el artista pasó sus
últimos días abandonado por la fortuna, sus últimos años a consecuencia de una
enfermedad paralizante los pasó en la cama y sin poder trabajar.
Murió en Florencia en 1466 y se dispuso su
enterramiento en la Basílica de San Lorenzo en la cripta debajo del altar y al
lado de la tumba de Cosme el Viejo. Entre los hombres que portaron el ataúd se
encontraba Andrea della Robbia.5 El cenotafio de Donatello fue realizado en
1896 por el escultor Raffaello Romanelli.
Referencia:
Obra de preferencia:
El David es una escultura de bronce de 158 cm de
altura, obra del escultor italiano Donatello. La obra fue realizada en torno a
1440 (o a 1430 según algunos expertos) por encargo de Cosme de Médici, que
quería situarla en los jardines de su palacio de Florencia.1 Actualmente se
encuentra en el Bargello. Es una obra representativa del quattrocento italiano
y tiene un aire inequívocamente clásico debido a su desnudez y a su composición
praxiteliana. Por eso, aunque se trata de un tema bíblico, en este adolescente
frágil y audaz se reconoce inmediatamente a un héroe de la Antigüedad clásica.
ANDREA DEL VERROCCHIO
Nació en Florencia en 1435.
Trabajó como orfebre en el taller de Giuliano
Verrocchio, de quien tomó el sobrenombre, también como escultor con Donatello,
y como pintor conAlesso Baldovinetti. Fue director de una academia en Florencia
que llegó a convertirse en el principal centro de arte de la ciudad. Entre sus
alumnos estuvieron Leonardo da Vinci, Sandro Botticelli, Lorenzo di Credi y
Peruggino.
Autor del monumento ecuestre de bronce ubicado en el
Campo dei Santi Giovanni e Paolo en Venecia. Sólo pudo hacer el modelo en
arcilla de esta estatua, terminada tras su muerte por el escultor veneciano
Alessandro Leopardi. Otras esculturas en bronce son el David (1470-1472, Museo
Nacional del Barguello, Florencia) y Amorcillo con un delfín (c. 1476, para la
fuente del patio del Palacio Vecchio, Florencia). Entre sus principales cuadros
están Bautismo de Cristo (1470, Uffizi, Florencia) y numerosas versiones de la
Virgen con el niño (National Gallery de Washington y Metropolitan Museum de
Nueva York). Verrocchio falleció el 7 de octubre de 1488 en Venecia.
Referencia:
Obra de preferencia:
Resurrección de Cristo” (Terracota policromada, 1463,
Museo Nazionale del Bargello, Florencia). Realizado para la Villa Medicea de
Careggi. Composición triangular que muestra en el eje principal a la figura de
Cristo flanqueado por dos ángeles. En el suelo los soldados caen espantados por
la visión mientras dos duermen. Dos árboles realizados de forma poco realista
cierran la escena. El rostro de Cristo muestra cierta inexpresividad, lo que
contrasta con los gestos sorprendidos de los guardias. La figura del Señor
aparece rodeada de un nimbo de rayos dorados, lo que es una reminiscencia de
los gustos medievales.
LUCA DELLA ROBBIA
Nació el 22 de diciembre de 1400 en Florencia, en el
seno de una familia de tintoreros (robbia significa "granza" en
toscano, palabra que designa a una planta usada para el teñido).
Sus figuras son hermosas, en actitud elegante y
graciosa. Entre sus obras más destacadas figuran: "Cantoría de la Catedral
de Florencia", realizada en mármol entre 1431-1438; Medallones de
Campanille (1437-1439); La Puerta de Bronce de la misma Catedral en 1446;
Tabernáculo para Santa María Novella en la Colegiata de Peretola; Madonna con
el Niño y dos ángeles, de la Vía del Agnolo (Museo Nacional del Bargello -
Florencia).
Luca della Robbia falleció en febrero de 1482.
Obra de preferencia:
Cantoría de la Catedral de Florencia” (Mármol, 1431-1438,
Museo dell'Opera del Duomo, Florencia). Se trata del púlpito para el órgano
encargado en 1431 a Luca della Robbia que por entonces era un desconocido, y
que se situó originalmente sobre la puerta de la Sacristía Norte de la Catedral
también conocida como Puerta Nueva, justo enfrente de la realizada por
Donatello situada sobre la puerta de la Sacristía Sur, ambas fueron desmontadas
en 1688 siendo sustituidas por un púlpito que celebraba la boda de Fernando de
Medici con Violante Beatriz de Baviera. Una vez desmantelada la reconstrucción
de la cantoría de della Robbia fue un problema.
Representa en imágenes el Salmo 150 de David “Laudate
Dominum”, que aparece escrito en letras romanas en las tres fascias del
púlpito. Las figuras en alto-medio-bajo-relieve representan niños y niñas
cantando y bailando junto con amorcillos (putti).
La parte superior de la Cantoría se asemeja a los
diseños de los sarcófagos romanos, compartimentando las escenas en molduras
rectangulares que se separan mediante dobles pilastras con capiteles
compuestos. Se trata de cuatro molduras frontales y otras dos laterales, una en
cada lateral del cuerpo superior. El conjunto queda enmarcado por las palabras
del “Laudate Dominum”.
El cuerpo superior sobresale apoyado en ménsulas
clásicas con decoración vegetal que a su vez sirven de separación a otras
cuatro molduras situadas en un plano más profundo.
GIOVANNI BELLINI
(El Giambellino) 1429-1516
Nació en Venecia, Italia. Pintor, al inicio del
renacimineto, de escenas religiosas, alegóricas y mitológicas. Hijo de Jacopo
Bellini, artista estilo gótico, quién lo instruyó en sus primeros pasos. Su
hermano Gentile y su cuñado Andrea Mantegna también son destacados del arte
italiano.
Bellini es prócer de la pintura veneciana, la cual
impulsó en su evolución desde el estilo gótico bizantino al más preciado
purismo veneciano.
Un foráneo en Venecia, Antonello da Messina, lo
inspiró para cambiar de la pintura al seco realizada en témpera, a una más
flexible en colores húmedos al óleo. Así, superó el estilo gótico tradicional y
se ubicó a la vanguardia académica veneciana a comienzos del siglo 16.
Concentrando su esfuerzo en la buena combinación de tonos, Bellini alcanza
maestría cuando reproduce matices utilizando óleo.
Pintor oficial de Venecia por tres décadas, debió
restaurar y conservar muchas obras antiguas. Profesor de Giorgione, del Piombo
y Tiziano, posteriormente su legado también fue ejemplo para dotados como El
Tintoretto, El Veronés y otros. Por su parte, el más brillante de los alemanes,
Alberto Durero, consideró a Bellini como el máximo representante de la pintura
veneciana.
Los artistas contemporáneos a Bellini están innovando
en muchos lugares de Italia, como también en otros países europeos. El Renacimiento
comienza a florecer y da sus primeros frutos.
Obra de preferencia:
Alegoría cristiana: En un marco arquitectónico con un
colorido paisaje al fondo, se muestran diversas figuras de santos cuyo nexo de
unión o sentido general de la obra no está muy claro. Está considerada de
difícil interpretación. La terraza tiene elaboradas baldosas de mármol. La
profundidad del paisaje se logra no tanto por la perspectiva sino, sobre todo,
por el cromatismo.
Se distingue a san Sebastián, a la derecha de todo,
con una flecha clavada. Junto a él, un san Jerónimo o quizá una representación
del santo Job; estas dos figuras no presentan el mismo modelado que el resto.
Al otro lado de la balaustrada, a san Pablo, con un gran manto rojo y una
espada en la mano. En la parte de la izquierda, María en un trono. En el
extremo de este lado, una figura con turbante que parece un añadido posterior.
Esta alegoría se relaciona con las obras maestras que
Bellini elaboraría a finales del siglo XV, principios del XVI, como la Sacra
conversación, la Piedad, La madonna del prado, El bautismo de Cristo o la
«palla» de San Zacarías.
ANTONIO ALLEGRI DETTO IL CORREGGIO
Se cree que nació en Casteldefranco en 1477, aunque
existen muy pocos datos sobre su vida y su obra. Fue el iniciador de la escuela
veneciana y un maestro sin igual en el retrato. Discípulo del pintor veneciano
Giovanni Bellini, influenciado por este abandona la rigidez geométrica del
renacimiento, utilizando en su obra la luz de un modo innovador, produciendo un
gran lirismo: se trata de una luz suave y tamizada, más destinada a crear una
atmósfera determinada dentro de la composición que a definir los objetos dentro
de la escena. Da mucha importancia al paisaje a la vez que su figuras la
pierden. A pesar de invitar a una lectura diagonal del cuadro, permanece
equilibrado y cuida la expresión de la atmósfera por lo que sus obras
transmiten una sensación de sueño acorde con la expresión de sus figuras. Su
obra ha sido discutida, arrebatada cuadro a cuadro a la autoría de Tiziano, a
quien se consideró autor de muchos lienzos que más tarde se descubrieron
realizados por Giorgione. Pocas de sus obras llevan su firma, lo que dificulta
extremadamente su identificación. Esto ha contribuido, en la actualidad, a la
formación de dos corrientes históricas opuestas: los
"pangiorgionistas", que pretenden declarar como suyas todas las obras
que concuerden con lo esencial de su estilo, y los "contraccionistas"
que limitan el número de cuadros a los firmados. Entre las que se le atribuyen
podemos destacar: el Retablo de Castelfranco (1504, Castelfranco, Veneto), Los
tres filósofos (Kunsthistorisches Museum, Viena, Austria), La tempestad
(Academia, Venecia, Italia) y Concierto campestre (1510, Museo del Louvre,
París, Francia). En el Museo del Prado de Madrid (España), La virgen con el
niño en brazos, entre san Antonio de Padua y san Roque (1510) se considera la
primera obra de madurez del artista. La Venus dormida (c. 1510, Galería de
pinturas, Dresde, Alemania), que es una de las primeras obras modernas dentro
del arte en la que un desnudo femenino constituye el tema principal de un
cuadro. Inauguró la utilización de desnudos en paisajes como uno de los grandes
temas del arte europeo lo cual lleva directamente a la obra de pintores como
Tiziano y Petrus Paulus Rubens. Falleció en 1510 a causa de la peste.
Referencia:
Obra de preferencia:
Judith
Si una de las grandes aportaciones del Quattrocento
será la perspectiva, durante el Cinquecento se buscará insertar de manera
adecuada la figura en el paisaje, convirtiéndose Giorgione en uno de los
grandes maestros en esta cuestión. La figura de la heroína bíblica aparece en
primer plano, pisando con fuerza la cabeza de Holofernes, apoyando su brazo
izquierdo en el muro y portando en su mano derecha una espada. Dirige su mirada
hacia el suelo, en un gesto de serenidad, recibiendo la figura un fuerte
impacto lumínico que resalta las tonalidades de su vestido. Al fondo podemos
apreciar un sensacional paisaje, separado del primer plano gracias a ese
pequeño murete que no impide la visión de una ciudad envuelta en tinieblas. De
esta manera, Giorgione ha sabido interpretar correctamente la perspectiva al
ubicar los diferentes elementos en planos sucesivos, creando gracias a la luz
una sensación atmosférica que unifica los diferentes planos compositivos. Estos
efectos serán tomados de Leonardo, dependiendo de su famoso "sfumato"
tal y como podemos apreciar en el rostro de Judith, que también deriva del maestro
florentino.
CORREGG
Nació en 1489 en Correggio (Italia).
Cursó estudios de pintura junto a un tío suyo y a
Francesco Bianchi-Ferrari en Módena. Muy influenciado por Andrea Mantegna y
Leonardo da Vinci. Dotado de una gran habilidad para el tratamiento del
claroscuro.
En el año 1518 comenzó a vivir en Parma, ciudad donde
pintó su primera serie de frescos en la bóveda del convento de San Pablo,
conocidos con el nombre colectivo de Diana volviendo de la caza. Entre 1520 y
1524 trabajó en los frescos de La ascensión de Cristo de la cúpula de la
iglesia de San Juan Evangelista de Parma.
En torno a
1530, y tras la muerte de su esposa, regresó a Correggio. Sus trabajos se
caracterizan por desnudos sensuales, el manejo de los escorzos y la
originalidad en el tratamiento de la perspectiva. Se conservan alrededor de 40
telas, todas ellas de tema religioso o mitológico. Una de sus obras maestras,
Noli me tangere (c. 1525), se puede ver en el museo del Prado de Madrid. Correggio
falleció en su pueblo natal el 5 de marzo de 1534.
Obra de preferencia:
La Asunción de la Virgen
Se trata de un fresco ejecutado sobre la cúpula de la
catedral de Parma, Italia, la cual tiene unas dimensiones de aproximadamente 11
metros de diámetro. Data de los años 1526-1530.
El contrato para realizar este fresco fue establecido
el 3 de noviembre de 1522 entre Correggio y los responsables del mantenimiento de
la catedral de Parma.
El fresco representa el momento de la asunción de la
virgen, esto es, la subida al cielo, en cuerpo y alma, de la madre de Jesús. En
los cuatro triángulos curvados, formados por las cuatro pechinas, están
representados los santos patronos de la ciudad: San Juan Bautista con el
cordero, san Hilario con un mantón amarillo, santo Tomás1 junto al que se
encuentra un ángel llevando la palma del martirio, y San Bernardo, la única
figura que mira hacia arriba.
La composición no gira en torno a un eje central, como
en el clasicismo, sino que está descentrada, «desestructurada», al modo que
sería habitual en el barroco.
A los pies de Jesucristo, la Virgen vestida de rojo y
azul es alzada al cielo por un grupo de ángeles. Alrededor de la base del
anillo, entre las ventanas, está el corro de los apóstoles sorprendidos como si
rodearan la tumba vacía de María. Alrededor de la Virgen gira un torbellino de
ángeles y otros personajes en movimiento, en varios círculos concéntricos y
sentido ascensional. Entre ellos se reconoce a Adán y Eva, Judit con la cabeza
de Holofernes y algunos ángeles que tocan instrumentos musicales. En el centro
de la composición está Jesucristo, que desciende del cielo para coronar a su
madre.
ALBERTO DURERO
Nació el 21 de mayo de 1471 en Nuremberg (Alemania).
Hijo de Albretch Atjós, de origen húngaro, orfebre,
quien le dio las primeras clases.
Su notable capacidad con el buril y la gubia, junto
con su atenta observación de la naturaleza y su pasión por el grabado, le
hicieron merecedor del éxito y de la admiración de sus contemporáneos.
Dignas de mención son algunas de sus magníficas
estampas como El caballero, la Muerte y el Diablo (1513), así como sus
numerosas series de estampas religiosas. Con 15 años fue aprendiz del pintor y
grabador Michael Wolgemut. Entre 1488 y 1493, el taller de Wolgemut se dedicó a
la considerable tarea de realizar numerosas xilografías para ilustrar la
Crónica de Nuremberg (1493) de Hartmann Schedel. En 1490 realiza un viaje de estudios
y en 1492 llegó a Colmar, donde intentó entrar en el taller del pintor y
grabador alemán Martin Schongauer pero éste había fallecido en 1491, por lo que
decidió ir al centro de publicaciones de Basilea, en Suiza, para buscar
trabajo.
Referencia:
Obra de preferencia:
Autorretrato: Es un óleo sobre tela encolada, pintado
en 1493. Mide 56,5 cm de alto y 44,5 cm de ancho. Se exhibe actualmente en el
Museo del Louvre de París. También es conocido como Autorretrato con flor de
cardo.
Adopta una postura de tres cuartos. Mira fijamente al
espectador. El cabello rubio y largo no impide que se le vea la frente, la
mandíbula y el lóbulo de la oreja. Lleva un tocado de color rojo, como los
ribetes de la ropa. A juzgar por su peinado y apariencia, parece que el momento
que transcurría era de una pobreza relativa.[cita requerida]
En la parte superior, sobre su cabeza, aparece la
fecha y una inscripción que dice: «My sach die gat / Als es oben schtat». Se ha
traducido como «Mi destino progresará según el orden Supremo»; también puede
entenderse como «Todo me va como está ordenado desde allá arriba» o «Las cosas
me van como allá arriba está ordenado».
Es una de sus primeras obras, en la que combina la
expresión retenida del gótico alemán, con la precisión de un Van Eyck. Pero a
este estilo nórdico le insufla un espíritu italiano al ponerse como ejemplo de
hombre independiente, dueño de sus pensamientos, ejemplo de espíritu humanista.
MATHIS NIHART O GOTHART
Conocido como Matthias Grünewald de Aschaffenburg,
nacido en Würzburg se supone que en 1475.
Su obra, junto con la de Alberto Durero, representa la
máxima expresión del renacimiento del norte de Europa.
Contrajo nupcias en 1519 firmando sus obras con su
nombre completo más el apellido de su mujer, Neithart, o con un monograma en el
que aparecían entrelazadas las iniciales M, G y N. Se desconoce su período de
formación y de adquisición de conocimientos de pintura flamenca e italiana que
delatan algunas de sus obras, aunque parece que en sus primeros trabajos se
nota la influencia de obras de Holbein el Viejo.
Asentado en la ciudad de Aschaffenburg, donde
desarrolló su actividad como pintor, la obra de Grünewald es de temática
religiosa, destinada a conventos y a catedrales, encargo de distintos y
poderosos mecenas. En 1509 es nombrado pintor de cámara del arzobispo de
Maguncia y en la segunda década del siglo también aceptó encargos en Isenheim y
Aschaffenburg. Matthias Grünewald falleció en Halle el 31 de agosto de 1528.
Referencia:
Obra de preferencia:
Virgen de Stuppach
Es la tabla central del retablo Aschaffenburger, representando
a María con el Niño. Actualmente se encuentra en la Parroquia de la Asunción de
María de Stuppach, dentro del municipio de Bad Mergentheim, estado de
Baden-Wurtemberg (Alemania) y, junto al Retablo de Isemheim, es considerada
obra maestra de Grünewald.
LUCAS CRANACH
Nació el 4 de octubre de 1472, en Kranach (Alemania).
Sus primeros trabajos datan de 1501. Hasta el año 1504
vivió en Viena y estuvo muy influenciado por Alberto Durero. Desde 1505 hasta
1550 trabajó en la de corte de los príncipes electores de Sajonia en
Wittenberg. En 1508 se desplazó a los Países Bajos para pintar a la realeza.
Sus obras desarrollaban escenas bíblicas y mitológicas y se observa el espíritu
de la Reforma alemana debido a la estrecha relación que mantuvo con Martín
Lutero. Padre del también pintor Lucas Cranach el Joven.
Lucas Cranach falleció el 16 de octubre de 1553 en
Weimar (Alemania).
Referencia:
Obra de preferencia:
La ninfa de la fuente: Se trata de una obra
característica del Humanismo nórdico realizada por Lucas Cranach el Viejo. La
mujer aparece desnuda y tumbada con un bello paisaje de fondo en relación con
algunas pinturas análogas de Giorgione y Tiziano. Su estancia en Wittenberg, adonde
acudió por invitación del príncipe Federico de Sajonia en 1505, le pone en
contacto con Durero y las figuras de sus obras adquieren, a partir de ese
momento, una mayor consistencia.
BALDUNG GRIEN
Nació en Cshwábisch Gmúnd sobre (1484-85). Se formó en
Alsacia bajo la influencia de Schongauer. Hacia 1502 se traslada a Nuremberg, y
comienza a trabajar como aprendiz en el taller de Alberto Durero. En 1509 se
establece en Estrasburgo donde reside hasta 1512, año que en el que se
translada a Friburgo para trabajar en su obra maestra, el retablo La coronación
de la Virgen (1516) en la catedral. Su estilo es realista, aunque enormemente
imaginativo y personal. Muestra una marcada propensión a utilizar el color
verde y muchas de sus escenas de tema religioso están impregnadas de una
luminosidad misteriosa y sobrenatural. Sus cuadros se encuentran en casi todas
las galerías europeas, especialmente en Berlín, Francfort, Nuremberg, Munich y
Basilea. En Madrid (Museo del Prado) hay dos de sus representaciones alegóricas:
Las tres Gracias y Las edades de la vida. Hizo también muchos dibujos,
xilografías, aguafuertes, grabados. Son numerosos sus bocetos para vidrieras,
algunas de las cuales fueron ejecutadas bajo su dirección para la catedral de
Friburgo. Una de sus últimas obras fue el boceto para un tapiz tejido en
Bruselas en 1540. Falleció en Estrasburgo en 1545.
Referencia:
Obra de preferencia:
Eva, la Serpiente y la Muerte
Es una pintura del artista renacentista alemán Hans
Baldung, ubicado en la Galería Nacional de Canadá, Ottawa. La fecha de la
imagen se debate, con propuestas que van desde la década de 1510 a entre 1525 y
1530. Sus cuatro elementos principales son la Eva bíblica, una figura masculina
que personifica la muerte y, en general comparado con Adam, una serpiente y un
tronco de árbol.
Baldung trata de la caída en una serie de grabados en
madera y pinturas, que significa por la manzana y la mordedura de la serpiente;
su iconografía a menudo es tan original y arrestando como en este trabajo. En
este panel, los cuerpos son grandes en escala y llenan esencialmente todo el
espacio, y colores de primer plano pálidos se utilizan contra un fondo oscuro.
Los principales elementos se entrelazan; la serpiente se enrolla alrededor del
tronco del árbol y también en torno a la muerte, que él sostiene al árbol. El
brazo derecho de la Muerte se extiende hacia arriba para agarrar la manzana. La
serpiente, que tiene los ojos rojos y una cabeza-comadreja, cierra sus
mandíbulas alrededor de la muñeca del brazo izquierdo de la Muerte, que es al
mismo tiempo agarrando el brazo izquierdo de Eva. La mano izquierda de la
víspera tiene parte de la cola de la serpiente, mientras que su mano derecha
sostiene una manzana detrás de la espalda. Entre los tratamientos de la caída,
el nuevo elemento en la víspera de Baldung, la Serpiente y la Muerte es el
papel activo de la serpiente; Condición decrépita de Adán, a medio camino entre
el nude y el esqueleto, sugiere el trabajo de veneno, como si viniera de la
serpiente, y el agarre de la serpiente de Adán recuerda la mordida de la
manzana en el otoño. La manzana que cada una de las figuras sostiene es el
origen simbólico de la escena actual, en el que "todo depende de e
implicado en todo lo demás".
En el fondo es un bosque denso, mientras que otros dos
troncos de árboles, delgados, angulosos, y en paralelo, ocupan la tierra de en
medio. Una margarita, probablemente una Margarita de ojo de buey (Hieatt), se
encuentra en las raíces del tronco principal del árbol, delante del talón
derecho de la Muerte.
HANS HOLBEIN
Nacido en Augsburgo en 1497. Hijo de Hans Holbein
"El Viejo", es de él de quien recibe su formación. En 1515 se
traslada a Basilea, donde realiza su primera obra: un centro de mesa con
escenas de costumbres impregnadas de tradición medieval. Un año más tarde
ilustra un ejemplar del "Encomiun Morae", de Erasmo y pinta el
"Retrato del burgomaestre Jacob Meyer y su mujer". Decora con su
padre la casa Hertenstein,(Lucena) en 1517. En 1519 se integra en la
"gilda" Zum Himmel de Basilea. A la muerte de su padre Holbein se
hace cargo de su taller. En 1526 se traslada a Inglaterra, volviendo a Basilea
2 años después, aunque viendo que los problemas religiosos eran cada vez más
graves, regresa a Londres en 1532. Durante varios años trabaja para los
"Negociantes de la Romana", asociación hanseísta y comerciantes de
lana. Enrique VIII le emplea como diseñador de orfebrería y decoraciones
pintadas y arquitectónicas. Falleció en Londres el 28 de noviembre de 1543, a
causa de una gran epidemia de peste. Entre sus obras destacan: "La Cena y
la Flagelación", tres retratos de "Erasmo" (1523), "La
Virgen con la familia del brugomaestre Meyer" (1526, Colección del
Príncipe de Hesse), "Danza de los muertos" (Gabinete de las Estampas,
berlín), "Los Embajadores" (1533, National Gallery, Londres), en 1537
a petición de Enrique VIII, pinta el grupo dinástico de "Enrique con su
esposa, Jane Seymour y Enrique VIII y Elizabeth de York", "La duquesa
de Milán" (1538, Londres) "Ana de Cleves" (1539, Louvre), etc.
murió en Londres en 1543 durante una epidemia de peste
Referencia:
Obra de preferencia:
El Cuerpo de Cristo muerto en la tumba es un aceite y
tempera en la pintura de madera de tilo creado por el artista alemán y grabador
Hans Holbein el Joven entre 1520-22. El trabajo muestra a tamaño natural, la
representación grotesca del cuerpo estirado y poco natural delgada de Jesús
Cristo yacente en su tumba. Holbein muestra el Hijo muerto de Dios después de
haber sufrido el destino de un ser humano ordinario.
PIETER BRUEGHEL EL VIEJO
(Breda, Países Bajos, h. 1525 - Bruselas, 1569) Pintor
holandés. Principal pintor holandés del siglo XVI, en la actualidad es
considerado una de las grandes figuras de la historia de la pintura. Realizó
sobre todo cuadros de paisaje, de género y de escenas campesinas, en los que
con un estilo inspirado en el Bosco reflejó la vida cotidiana con realismo,
abundancia de detalles y un gran talento narrativo.
Pieter Brueghel aprendió el oficio con Pieter Coeke.
En 1551 se incorporó al gremio de pintores de Amberes e inmediatamente después
emprendió un viaje por Europa, que lo llevó a Francia, Italia y Suiza. Lo que
más le impresionó de su periplo fueron los paisajes de los Alpes, de los que
realizó a su vuelta una serie de dibujos que fueron grabados.
En 1563 Pieter Brueghel se trasladó a Bruselas y
contrajo matrimonio. Se centró entonces en la pintura y produjo numerosas
obras, muchas de ellas por encargo de famosos personajes. Para el banquero
Niclaes Jonghelinck realizó, por ejemplo, la famosa serie de los Meses, que
incluye Cazadores en la nieve (noviembre-diciembre) y La vuelta del ganado
(septiembre-octubre), entre otras obras maestras.
Pieter Brueghel tuvo dos hijos pintores, Pieter el
Joven (Bruselas, 1564 - Amberes, 1638) y Jan (Bruselas, 1568 - Amberes, 1625).
El segundo fue muy reputado como pintor de flores y se ganó el sobrenombre de
Brueghel de «velours» (terciopelo) por su magistral tratamiento de las texturas
delicadas. El primero realizó copias y variaciones de las pinturas de su padre,
a menudo de gran calidad, con las que se ganó muy bien la vida.
Referencia:
Obra de preferencia:
La boda campesina: Se trata de una de sus obras
representando la vida campesina. La novia está debajo de un dosel y el novio no
se sabe exactamente quién es, pero podría ser el hombre vestido de negro, a la
izquierda de la figura más grande, echándose hacia atrás, con una jarra en la
mano. Dos gaiteros tocan el pijpzak, y un niño pequeño en el primer plano lame
un plato.
La fiesta se celebra en un granero en la primavera;
dos espigas de cereal con un rastrillo recuerdan el trabajo que implica la
cosecha y la vida tan dura que llevan los campesinos. Los platos los llevan
sobre una mesa que han quitado de sus bisagras. Los principales alimentos son
pan, gachas y sopa
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