HISTORIA
DEL ARTE, BIOGRAFIAS, ARTE PERFORMARCE, BODY ART, HAPPENING.
AUTOR:
LUIS ALEXANDER GUDIÑO GUDIÑO
PRESENTADO
A: PAREDES LASCANO ILIANA SABINA
UNIVERSIDAD TECNOLÓGICA EQUINOCCIAL
ARQUITECTURA ARTE Y DISEÑO GRAFICO
ARQUITECTURA ARTE Y DISEÑO
HISTORIA DEL ARTE II
QUITO ECUADOR 14/10/15
TABLA DE CONTENIDOS
PRIMER CAPITULO
Biografías:
MARIO FERNANDO GARCIA MORENO 12 OCTUBRE DE 1.970
Nació en la ciudad de Ibarra. Su padre, Mario
Francisco Raúl García Gallegos y su madre la dama Ibarreña Mercedes Magdalena
del Carmen Moreno Almeida. Su padre oriundo de Riobamba, nació el 9 de febrero
de 1.939. Cuando niño se trasladó a vivir a la ciudad de Ibarra, donde conoció
a su esposa quien había nacido en octubre de 1.942. La influencia familiar y el
ambiente artístico literario y lúdico fueron muy fuertes. Por parte de su
madre, hubo una importante vena artística vinculada tanto a la familia Almeida
como a la familia Moreno. Se recuerda, en especial, a la abuela de nuestro
personaje, doña Jael Almeida, mujer virtuosa en el piano, quien incursionó en
este arte, incluso participó en recitales permanentes en la Radio Municipal La
Voz de Imbabura. En esta familia, la mayoría de sus miembros eran virtuosos en
algún instrumento musical. Como influencia importante de su vida, cita a sus
tíos maternos, a Patricio y Fernando Moreno Almeida, debido a su interés por la
creatividad manual y a su perspectiva particular, analítica y filosófica de la
sociedad y de la vida en su conjunto. En el hogar formado por Mario García y
Mercedes Moreno Almeida, nacieron cinco hijos: María Isabel, Alexandra, Helena,
Silvana y Mario García Moreno. De entre ellos, debemos hacer mención a sus
hermanas Helena y Silvana, que han incursionado también, con éxito, en la
escultura y también en la pintura. Helena expone con gran aceptación en las
galerías de Alemania y pasea su arte por Europa. Silvana, está vinculada a la
dinámica de la defensa de la naturaleza y desde ese eje se vincula al arte. De
su padre, don Mario García, hereda el amor a la literatura, la afición por los
libros, la contemplación y el análisis filosófico, el gusto por la ficción y
sin duda, la afición y la sensibilidad por las artes plásticas. De hecho, en la
actualidad, el padre es el presidente de la Fundación Pedro Moncayo, que
patrocina las artes plásticas, la producción literaria y la protección del
patrimonio. Como vemos, el ambiente familiar y social que rodeó su infancia
influyó notablemente en su afición por el arte, concretamente la escultura y la
pintura. Cuando vivió y estudió en Quito, su madre Mercedes aún vivía y la casa
maternal bullía con la presencia de intelectuales, artistas jóvenes rebeldes y
políticos vinculados a la protesta social. El eje en este hogar era la
presencia sonriente y acogedora de doña Mercedes, quien lastimosamente falleció
de un cáncer terminal.
LA
FORMACION
En su búsqueda del arte escultórico, se
vinculó al maestro imaginero y escultor, Carlos Rodríguez, radicado en esa
época en el pueblo de San Antonio de Ibarra. Se inició en este taller como
aprendiz y asumió disciplinadamente el aprendizaje de su oficio, Rodríguez le
inicia en las técnicas básicas de la escultura, aprendizaje que será
fundamental al iniciar sus estudios universitarios. Terminados sus estudios
secundarios, inició la carrera de artes plásticas en la antigua Facultad de
Artes de la Universidad Central del Ecuador. Aquí, en este centro educativo,
Mario García, menciona en especial y recuerda con estima a Jesús Cobo, de quien
dice, aprendió a valorar y defender el oficio artístico, fundamentalmente
escultórico, además de los procedimientos y técnicas adecuadas para su
ejecución y proyección social. Graduado con méritos en la Facultad de Artes,
inició una maestría en Estudios del Arte y obtuvo además, una licenciatura en
Artes Plásticas, con mención en Escultura y Cerámica, estudios y título de tercer
nivel, obtenidos en la misma Facultad de Artes de la mencionada Universidad
Central. Se interesó mucho por el aspecto de la creatividad y estudió el tema.
En este aspecto cabe resaltar que fue discípulo del doctor Nelson Rodríguez, de
quien tomó un seminario titulado Creatividad y Psicología. Mario García Moreno,
tiene una trayectoria meteórica en el mundo del arte. Sus exposiciones de
escultura y pintura han sido muy comentadas y exaltadas a nivel local, nacional
e internacional. Es importante para el objetivo de esta biografía dejar
constancia escrita de esta brillante trayectoria.
SINTESIS
DE SUS EXPOSICIONES
Entre sus
exposiciones constan: La III exposición en la Facultad de Artes de la
Universidad Central del Ecuador, arte, tecnología y sociedad en el museo del
Ministerio de Cultura. Exposición colectiva de docentes, estudiantes y
egresados de la Facultad de Artes en Quito, el 10 diciembre del 2.014 – 15 de
enero de 2.015. El deseo en la forma. II Expo Fauce. Centro de Arte
Contemporáneo de Quito. Exposición colectiva de docentes, estudiantes y
egresados de la facultad de artes de la Universidad Central del Ecuador. Quito,
6 de marzo– 14 de abril de 2.013. Ecua-uio/01 Festival de Arte Visual
Contemporáneo. Exposición colectiva. Centro Cultural Metropolitano. Quito,
2.012. DIÁLOGO DE IMAGINARIOS. I EXPO FAUCE. Centro Cultural Metropolitano.
Exposición colectiva de docentes de la Facultad de Artes de la Universidad
Central del Ecuador. Quito, 3 de marzo – 3 de abril de 2011. EL RACIONALISMO EN
EL ARTE. Exposición individual de Escultura. Ministerio de Cultura del Ecuador.
Quito, mayo de 2.010. ARTE Y CULTURA EN LA SEMANA MAYOR. Exposición colectiva.
Capilla del Centro de Convenciones Eugenio Espejo. Quito, del 26 al 31 de marzo
de 2.010. Intervención en la SEGUNDA BIENAL DE ESCULTURA DE SAN ANTONIO DE
IBARRA”. 2.008. EXPOSICIÓN DE ARTE ECUATORIANO EN HIERRO Y ACERO”. Colectiva.
Swisshotel. Quito, 2.007. Intervención en la PRIMERA BIENAL DE ESCULTURA DE SAN
ANTONIO DE IBARRA. 2.006. Exposición inaugural del grupo de arte contemporáneo
GEL. Centro Cultural de la Pontificia Universidad Católica de Quito”. 2.005. No
Salón. Colectiva. Quito, 2.002. Intervención en el SALÓN NACIONAL DE ARTE
CONTEMPORÁNEO MARIANO AGUILERA. Quito 2.002. Intervención en el TOYAMURA
INTERNATIONAL SCULPTURE BIENNALE 2001, MICROCOSM IN YOUR HANDS. Toyamura-Japón,
2.001. Galería de arte El Conteiner. Amnesia. Quito, 2.001. Exposición de
Egresados de la Facultad de Artes Plásticas de la Universidad Central del
Ecuador. Centro Cultural Metropolitano. Quito, 2.001. Arte Religioso.
Colectiva. Centro Cultural Tianguis. Exposición colectiva. Quito, 2.000.
Galería de Artes. Colectiva. Quito, 2.000. Contraloría General del Estado.
Colectiva. Quito, 1.996. Intervención en el Salón Nacional de Pintura y
Escultura Mariano Aguilera. Quito, 1.995. Fundación Cultural Pedro Moncayo.
Junto a la artista Helena García Moreno. Ibarra, 1.995. Intervención en la I
Bienal Nacional de Escultura. Ambato, 1.994. Galería Alderuti. Individual.
Quito, 1.994. Actualmente se desempeña como docente y subdecano de la Facultad
de Artes de la Universidad Central del Ecuador; fue docente de la Universidad
Central del Ecuador, Facultad de Artes. (Escultura), desde el año 2.001, hasta
la actualidad. Trabajó también como maestro en la Universidad Internacional del
Ecuador. Su cátedra básica es la Plástica-Cerámica, Diseño y Composición Visual
Publicitaria. También se desempeñó como docente de la Universidad Santo Tomás y
en la Pontificia Universidad Católica del Ecuador enseña Cerámica Precolombina.
PUBLICACIONES
Entre sus publicaciones se destacan, el Texto
introductorio para el catálogo de la muestra artística de docentes, estudiantes
y egresados de la Facultad de Artes de la Universidad Central del Ecuador,
titulada El deseo de la Forma. II EXPO FAUCE desarrollada en el Centro Cultural
Metropolitano. Quito, 6 de marzo – 14 de abril de 2.013. La Escultura en la
Facultad de Artes. Artículo sobre la Escuela de Artes Plásticas para el
Suplemento Académico No. 1 Latitud Central No. 15. Universidad Central del
Ecuador. Quito, Enero de 2.011. El Texto introductorio para el catálogo de la
muestra artística de docentes de la Facultad de Artes de la Universidad Central
del Ecuador, titulada Diálogo de Imaginarios realizada en el Centro Cultural
Metropolitano. Quito, 3 de marzo de 2.011. En cuanto a su vinculación con la
comunidad, ha llevado su arte a espacios como, Coautoría y gestión (con Juan
Arellano) del proyecto III EXPOSICIÓN DE LA FAUCE. TECNOLOGÍA, SOCIEDAD Y ARTE,
2.014. Gestión del Taller de Portafolios Artísticos, dictado en la Facultad de
Artes de la Universidad Central del Ecuador, por el Equipo de Investigación del
Centro de Arte Contemporáneo de Quito, los días 11, 19, 26 y 27 de noviembre de
2.013, con una duración de 12 horas. Gestión y co-producción de la muestra
artística de docentes, estudiantes y egresados de la Facultad de Artes de la
Universidad Central del Ecuador titulada, El deseo en la Forma. II EXPOSICIÓN
DE LA FAUCE desarrollada en el Centro de Arte Contemporáneo de Quito. Quito, 6
de marzo – 14 de abril de 2.013. Concepción y gestión del proyecto para la
muestra artística de docentes de la Facultad de Artes de la Universidad Central
del Ecuador titulada, Diálogo de Imaginarios realizada en el Centro Cultural
Metropolitano. Quito, 3 de marzo de 2.011. Diseño del catálogo para la muestra
artística de docentes de la Facultad de Artes de la Universidad Central del
Ecuador, titulada Diálogo de Imaginarios realizada en el Centro Cultural
Metropolitano. Quito, 3 de marzo de 2.011.
TENDENCIA
ARTÍSTICA
Sus trabajos se enmarcan dentro de una teoría del arte
biológica y contextual; por tal razón, abarcan variedad de perspectivas
culturales, tendencias, temáticas, géneros, técnicas y materiales (arte
primitivo, bellas artes, arte moderno y nuevas tendencias; piedra, mármol,
bronce, madera, cerámica, metal, cartón, plástico, imágenes digitales, diseño
gráfico, fotografía, escultura, instalación, arte objeto) debido a un interés
experimental, expresivo e irreverente que muestran concepciones rígidas del
lenguaje plástico, de sus fundamentos y función individual y social.
PREMIOS
Y MENCIONES
En los premios y reconocimientos recibidos
están, primera mención de honor, en el Salón Nacional de arte contemporáneo
Mariano Aguilera, en la ciudad de Quito, en el 2.002. Primera mención de honor”
de la Fundación Alberto Coloma Silva, en arte objeto. Universidad Central del
Ecuador en Quito, en el año 2.001. Primer premio Valdivia, en Escultura en
Mármol). Universidad Central del Ecuador La Roca. Quito, en el año 2.000.
Tercera mención en Escultura, cerámica, en el Salón Nacional de pintura y
escultura Mariano Aguilera. Quito, en el año 1.995.
FUENTE
BIBLIOGRÁFICA
·
García, M. (19 de enero de 2.015). Formulario de datos biográficos Mario García
Moreno. Quito, Ecuador.
LUIGI STORNAIOLO PIMENTEL
PINTOR.- Nació en Quito
el 9 de Junio de 1956. Hijo legítimo de Bruno Stornaiolo Miranda, Psicólogo
clínico y periodista, autor de la novela "Réquiem por un Dinosaurio",
de un volumen de cuentos y de otros libros, y de Angela Pimentel Franco,
naturales de Napoles y Quito respectivamente.
El
segundo de una familia de cuatro hermanos. Estudió en el Colegio salesiano
Cardenal Spelman y vivía en la Cordero y Amazonas. De siete años se enfermó de
gripe y su padre le obsequió el libro "Cómo dibujar" para que se
distrajera mientras guardaba cama. Aún conserva el libro y cree que su lectura
fue la primera motivación que recibió hacia el arte.
Su madre, muy hábil para
todo tipo de artesanías, cose, teje, cocina y hacía perfiles pequeñitos de
personas amigas, lo que siempre llamó poderosamente su atención. Su abuela
paterna Anna Miranda Lalama, vivía su viudez en la casa de al lado, fumaba y
conversaba mucho, jugaba naipes y pronto se lo llevó con ella para que la
acompañara, además es autora de un poemario impreso bajo el título de
"Risas y Lágrimas".
De 12 años comenzó a
hacer caricaturas de los principales deportistas de Quito, que su padre hacía
publica en "El Comercio" y en "Ultimas Noticias" por S/. 5
cada una.
En 1974 se graduó de
Bachiller luego de figurar con honor en el equipo de fútbol de su Colegio, como
guardameta de exitosa carrera. Motivado por su padre ingresó a la Facultad de
Arquitectura, pues no sabía que funcionaba una de Arte, estudió tres años sin
mayores ganas y aprendió nociones de diseño, dibujo técnico y otras técnicas
afines.
En
1977 abandonó la Facultad y viajó a visitar a sus tíos los Stornaiolo en
Napoles. Fue una época de intensas experiencias, concurrió a Museos, admiró las
telas de los grandes maestros y se formó una idea de lo que realmente quería
ser en la vida. Hernán Rodríguez Castelo ha opinado que fue en ese viaje que
"descubrió las posibilidades de la pintura grande, asumiendo aunque obscuramente,
el que sería su estilo, con el paso del tiempo".
A su regreso montó en la
parte posterior de su casa, con sus amigos Roberto Valdez y Frank Beleón, una
pequeña fábrica artesanal de juguetes de corcho, que llamaron
"Napablaza". Las ideas eran suyas, salieron muy hermosos, pero a la
larga fracasaron por falta de experiencia comercial.
En 1978 conoció a Nelly
Witt Vorbeck, quien le inspiró un gran afecto. Desde entonces comenzó a
pintarla y en la actualidad existen cerca de cuarenta óleos de ella, que conserva
en su casa.
En 1979 vivió de la venta
de retratos al carboncillo, asistía a muestras, ejercitábase en el dibujo, para
lo que siempre tuvo especial facilidad.
En
Abril de 1980 expuso por primera ocasión y tuvo éxito. La Galería "Club de
Arte" mostró sus dibujos irónicos dentro de un realismo lúcido y casi
fotográfico en sus detalles, al punto que el crítico colombiano Alvaro Paredes
Ferrer se atrevió a augurarle uno de los primeros puestos en la nueva plástica
nacional; meses después presentó en la Galería "Sosa Larrea" de
propiedad de Jorge Sosa, varias tizas o pasteles, también con éxito y favorable
crítica.
Ese año contrajo
matrimonio con Nelly y nació su hija Silvia Anna.
En Enero del 81 se
cambiaron a una pequeña casa prefabricada en el barrio Dammert, hizo retratos
cobrando S/. 10.000 por cada uno y con la venta de la casa, para Febrero del
82, viajó a Europa con su familia.
Primero arribaron a
Amsterdam, vieron museos y pasaron a Londres. Allí hizo varias copias con
permiso de cuadros famosos, que vendió enseguida. Luego siguieron a Madrid,
admirando a Goya, recreándose en Velásquez, Murillo y también en el Bosco, a
quien ya conocía por su anterior viaje y estudio de arte. Igualmente se
impresionó con la Escuela Flamenca de los siglos XV y XVI. Estuvieron en
Florencia donde pudo comprobar la alta calidad de los retratistas callejeros,
todos ellos con gran formación, finalmente visitaron Roma y Napoles. El viaje
había durado tres meses y le puso nuevamente en contacto con las viejas
escuelas y con obras de pintores contemporáneos como Salvador Dalí, a quien
imitaría en su estilo Subrealista con telas tan insólitas como
"Moscas".
De regreso, en Agosto, se
cambió a la Mitad del Mundo, a pintar al borde del desierto, en contacto con la
aridez de esa zona y la belleza de las montañas; permanecería siete años,
madurando.
En
1983 expuso en el Colegio de Arquitectos grandes óleos de tentación realista
que llegaba al preciosismo que no tenía futuro. "Cosa menor, expresión
contemporánea aberrante con atisbos de caricatura".
En 1984 expuso en la
Galería "Marcos y Arte" de Abdula Arellano. El 85 formó con sus
amigos pintores Byron Richardson, Juan Reece, Mauricio Cobo y Mario León, el
grupo San Pascual, de búsqueda y trabajo. Hizo scultopintura durante tres meses
y expusieron en un local vacío de la Avda. República y Almagro, pero terminaron
por disolverse.
En 1986 fue su año
consagratorio al ganar el Primer Premio en Caricatura en el Salón Municipal de
Quito y el Tercer Premio en Tempera. También estudió grabado sobre metal en el
Taller Gráfico de los Profesores Carlos Rosero y Luciano Mogollón situado en 9
de Octubre y Washington y aprendió Xilograbado con el profesor colombiano
Carlos Neira.
En Diciembre fue
seleccionado con otros veinte pintores entre ciento ochenta, para representar
al Ecuador en la I Bienal Internacional de Cuenca.
En Abril de 1987 expuso
en la "Galería Larrazabal" de Eudoxia Estrella y una semana después,
al inaugurarse la Bienal, se reveló en "un estilo seguro y una expresión
rica y vigorosa, que recupera, con sentido contemporáneo, muchas líneas
antiguas, hasta de venerable antigüedad".
Rodríguez Castelo opinó
que era un conjunto de gran unidad, luciendo sabiduría de oficio, todo
presidido por una ironía muy contemporánea y pintando con nerviosidad y
detallismo.
Ese año envió seis
grandes telas a la Bienal de Sao Paulo con "pintura enérgica, gestual, que
entra en conflicto y tensión plásticos con el dibujo detallista y con la
caricatura esperpéntica".
En
Junio de 1988 expuso en el almacén de su esposa, llamado "Nueva
Galería", sus nuevas telas, luciendo "trazos violentos, materia en
hilos, vehementes raspados, o hace emerger rostros monstruosos de entre un
frenesí de manchas, a veces bastante texturadas. Exasperación formal pero
dislocación de la cosmovisión". En Diciembre fue nuevamente seleccionado
con otros quince pintores para representar al Ecuador en la II Bienal
Internacional de Cuenca, con cuatro obras.
En Mayo de 1989 expuso en
el Salón Nacional Mariano Aguilera de Quito y obtuvo el Primer Premio por su
"Gavillas advenedizas haciendo tabla rasa II", parte de una serie de
cuatro grandes óleos. En Septiembre abrió una muestra en la Galería
"Ricardo Florsheim" de Guayaquil, con otras telas, pero siempre
presentando "el aquelarre humano a brochazos, manchas y chorreados. Un
mundo goyesco en suma, pero con el desenfado de un lenguaje visual
contemporáneo".
En "Quien no come
arroz no merece la vida", óleo de casi dos metros de alto por dos de
largo, escogido por la revista Diners para iluminar su página central, "la
tensión entre lo dibujado —grupos humanos— y la violencia neoexpresionista
cromático-matérica, llega a un punto casi de conflicto".
Stornaiolo planea un
largo viaje por Australia para acumular técnicas y mejorar su oficio.
Alto, delgado, atlético,
trigueño, de carácter pensieroso y mas bien dado a la introspección, ha asumido
con mucha honradez su oficio y está en una hora definitoria, entre el
esperpento y las manchas, siendo el pintor joven de mayor calidad en la hora
actual.
Fuentes:
http://www.diccionariobiograficoecuador.com/tomos/tomo10/s7.htm
SEGUNDO CAPITULO
OBRAS DE PERFORMANCE
Marc Montijano: Abrió el 24 de febrero de 2012 la Cuarta edición
de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Jaén, con su
performance Current exhibitions. Metamorfosis XIII, en el Museo
Provincial de Jaén.
Durante
la performance el artista realizó dos composiciones. Dispuso un primer grupo de
seis metas al fondo de la sala expositiva, posando
frontalmente delante de una pared desnuda cubierta por un lienzo en blanco,
creando una imagen que recordaba a aquellos retratos de las familias reales
pintados por los pintores de la corte. La rotundidad de la pieza se remarcó
iluminándola como si de un grupo escultórico se tratara.
En el otro extremo de la sala,
situó una pareja frente a frente, rodeados de obras del artista Miguel
Scheroff. Rostros desollados envolviendo a una mujer y a un hombre en estado de
Metamorfosis, haciendo aún más turbadora la imagen.
Análisis comunicativo: La acción tuvo lugar durante la
inauguración oficial de la Feria. Para la pieza, contó con un nutrido grupo de
modelos que interactuaron con las salas del Museo, integrándose con las obras
ahí expuestas y sorprendiendo al numeroso público que acudió a la inauguración.
Critica personal: esta obra de performance nos
transporta a a aquellos retratos de las familias reales pintados por los
pintores de la corte.
EL GRAN DESFILE
El
Gran Desfile: representa grandes
acontecimientos del siglo 20 en un estilo teatral inspirado en la visión
caleidoscópica de Marc Chagall de la humanidad en el juego, en la guerra y en
reposo. Trapecio, circo, danza, proyecciones, y la cultura popular llenan la
altura y ancho del escenario en un espectáculo de la historia poblada por
personas y animales en actos de la gracia y la destrucción. Hora tanto se
contrae y se expande como el siglo 20 se desarrolla en una carrera de ensueño
de yuxtaposiciones que incluyen el éxtasis de aterrizaje en la luna, el frenesí
de la guerra, los escapes calificados de Houdini, la bomba atómica, el
asesinato de Kennedy, y brutalización de Hitler Europa.
El Gran
Desfile fue concebido, diseñado y dirigido por Stacy Kleiny co-creado con los actores
del conjunto Carlos Uriona, Matthew Glassman, Hayley Brown, Jeremy Louise
Eaton, Adam brillante, y Milena Dabova.
Análisis comunicativo: El equipo creativo Grand Parade también incluye
Compositor Alexander Bakshi,
Desiger de sonido y proyección Brian Fairley,
Director vocal y la música
Lyudmila Bakshi, Mobiliario y madera diseñador Jeff Aves,
Diseñador Máscara Beckie Kravetz,
Diseñador de marionetas Carroll Durand, Diseñador de iluminación John Peitso.
El director técnico Adam Bright
Asociado diseñador y de la iluminación Andrew Todd Costumière Amanda Miller
Critica
personal: arte teatral que nos permite ser partes del siglo XX
atravez de la escultura popular.
LA SILLA DE GRASA
JHOSHEP BEUYS: Es el gran
representante del performance, trataba de abrirse camino ante la percepción del
espectador a través del uso de materiales sensoriales diversos. En su obra se
funde la mitología, la razón y la intuición, creando de la acción un sentido
nuevo.
Análisis comunicativo: esta obra tiene una doble connotación
pues el bloque de grasa impide a la silla hacer su función,
Pero a la vez alude a esa silla ideal,
blandita u confortable. Es un juicio de reflexión de nuestros deseos.
Critica
personal: a través de esta arte podemos palpar la comodidad
suavidad de nuestros anhelos.
ARTE BODY ART
EL BODY PAINTING: el arte de pintar el cuerpo, permanece vigente. Claro que actualmente su finalidad es
considerablemente diferente a los de nuestros antepasados más lejanos, pero
vale la pena estar al tanto de esta manifestación artística excepcional.
Análisis comunicativo: Hoy es una atractiva forma de arte corporal: con unos pocos colores
aplicados sobre el cuerpo de una persona, se pueden crear imágenes
sorprendentes. En algunos casos, se presta para lo extraño y gracioso. Otros
prueban que el body painting puede ser una verdadera obra de arte.
Critica personal: el arte de pintar cuerpos y transmitir una imagen
visual satisfactoria para los espectadores es de gran magnitud en el campo
artístico.
LA PALITROCHE
Obra de pintura corporal creada por Kim Joon, cuya
galería tienen que ver.
El body art o arte
corporal es otra de las manifestaciones artísticas contemporáneas, con este
nombre se denominan los procesos artísticos en los que el artista utiliza su
propio cuerpo como soporte material de la obra.
Análisis
comunicativo: Es relativamente joven comparado con
otras corrientes, ya que surgió a finales de los años sesenta y se desarrolla
en la década siguiente. La obra de estos artistas trata temas como la
violencia, la autoagresión, la sexualidad, el exhibicionismo o la resistencia
corporal a fenómenos físicos.
Critica
personal: es notable los
temas que quiere centralizar sexualidad entre otros.
La estadounidense Natalie Fletcher, es conocida
por su destreza para utilizar el body painting y mimetizar a las personas con
los fondos de la naturaleza
.
Análisis
comunicativo: también cabe
mencionar su maestría para dibujar formas geométricas en la piel que cambian
por completo la percepción del espectador.
Critica
personal: nos manifiesta que la escultura humana concordia con
su paisaje.
ARTE HAPPENIG
Cualquier lugar era
idóneo para la representación de los happening. En un principio parece que
fueron elegidos espacios abiertos, al aire libre. No obstante, hay muestras de
happening en los primeros tiempos en almacenes o estaciones de metro, por citar
algunos.
Análisis
comunicativo: Otra de las características de esta forma de expresión era la
de romper con lo establecido, con lo estático del teatro tradicional, de ahí
que fuera difícil su representación en teatros o galerías de arte.
Critica
personal: dicha obra nos traslada a la confusión de desorden y
cumulo de llantas viejas, pero en lo feo también hay lo bello.
Esta es una de las obras
del artista León Ferrari, caracterizado por sus polémicas piezas críticas a la
iglesia católica.
Happening
A
las manifestaciones más comprometidas, vinculadas con un arte involucrado en la
problemática social, paralelamente se les sucedieron, el denominado "arte
en los medios" y los happenings. Estas grandes líneas están relacionadas
al arte y su disolución.
Análisis
comunicativo: desembocan estas y otras manifestaciones
es a la idea de "muerte del arte": la preponderancia del fenómeno
sobre el objeto, por el modo de exigir la participación del contemplador, y por
las relaciones espacio-temporales en las que se fundan.
Criterio
personal: expresa el dominio de la rareza sobre el objeto, la
cual nos trasmite mensajes claros y fuertes sobre la muerte del arte.
Happening
instalación de Yayoi kusama
Si
sumamos una habitación blanca + niños con pegatinas de colores, el resultado
es, efectivamente una explosión de color. Ésta es la nueva obra que nos enseña
la artista japonesa Yayoi Kusama, instalada en la “Gallery of modern art” en
Brisbane.
Yayoi Kusama expuso su
trabajo el año pasado en el Reina Sofía, en el cual pudimos ver cómo su interés
en hacer de sus obras perfomances participativas o happenings no es nada nuevo,
sino que ya comenzaba en los años sesenta y ha ido evolucionando en función de
sus pequeñas obsesiones. Tiene además obras como sus esculturas acumulativas
(acumulative sculptures) en las que la acumulación y la repetición son el
sustento que les va dando forma.
Análisis
comunicativo: También el cambio progresivo debido a la actividad humana, y
el paso del tiempo son hechos que se van percibiendo a lo largo de su obra, y
éste es el caso de The
obliteration room.
Critica
personal: es la belleza de pluralidad de colores dinámicos y claros.
ARTE CONCEPTUAL U INSTALACIÓN
A
finales de los años sesenta se inició en el arte un amplio movimiento, abierto
a todo, performance art, body art, narrativa art, video arte, abstracción etc.
El resultado fue un arte que podía adoptar distintas formas y que exigía al
espectador una participación.
Análisis
comunicativo: En el arte conceptual la idea o el
concepto es el aspecto más importante de la obra, más importante que el objeto
o representación física.
Criterio
personal: el mensaje es la parte más importante que nos
trasmiten en dicha obra, la representación física de tasas blancas con hilos o
lana de distintos colores.
Richard Serra, obra: la materia del tiempo. Museo Guggenheim, Bilbao.
Criterio personal:
La combinación de figuras sinuosa s nos permiten sentirnos en un ambiente
trasladaste de épocas futuristas.
El arte conceptual la
idea o el concepto es el aspecto más importante de la obra, más importante que
el objeto o representación física.
Con este concepto han surgido formas artísticas como el movimiento fluxus, Joseph Beuys, Wolf Vostell, Nam June
Paik.
Análisis comunicativos: es un movimiento artístico de las artes visuales pero también
de la música y la literatura. Tuvo su momento más activo entre la década de los
sesenta y los setenta del siglo XX.
Criterio personal: trasmite
belleza y sencillez de arte el cual pretende definir un abrimiento de su piel
en el pecho erguido y muy firme en lo decidido
Bibliografía:
//simboloabierto.wordpress.com/arte-conceptual/
/www.google.com.ec/search?q=obras+de+instalación&biw=1366&bih=705&tbm=isch&tbo=u&source=univ&sa=X&ved=0CCYQsARqFQoTCKqI17rnwsgCFUKTDQodY48FfQ&dpr=1#tbm=isch&q=happening+arte&imgrc=L6csVzOLHm4vFM%3ª
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